Faltam três semanas para o lançamento de GTA 6, e a máquina de hype da Rockstar entrou em rotação máxima. Só nesta semana, vieram novas imagens, uma leva de detalhes revelados pela revista Edge e, segundo o insider NateTheHate, cópias para a imprensa já circulam, com as primeiras análises previstas para 18 de novembro. O jogo chega em 19 de novembro, apenas para PS5 e Xbox Series S/X. Mas, para quem mora no Brasil, a pergunta que importa não é sobre o mapa nem sobre o balanço de Lucia — se é que você me entende. É sobre o preço: GTA 6 cabe no bolso do brasileiro? A resposta curta é: não.

Vamos aos números. A edição padrão custa R$ 449,90 na PlayStation Store e na Microsoft Store; a Ultimate, R$ 549,90. Nos Estados Unidos, US$ 79,99 e US$ 99,99, respectivamente. Com o dólar comercial a R$ 5,34 no dia 28 de outubro, os US$ 79,99 dariam cerca de R$ 427. Ou seja: o preço brasileiro é o valor americano convertido, com um troco por cima. Nada de preço regional, nada de afago para quem ganha em real. Com o salário mínimo de 2026 valendo R$ 1.621,00, a edição padrão consome quase 28% dele; a Ultimate, mais de um terço.

E não para por aí. Quem ainda não tem console precisa colocar na conta cerca de R$ 5.000,00. Videogame mais jogo: R$ 5.450,00, ou até 3,5 salários mínimos para ver Vice City na tela da sala. Pois é. O jogo que deveria ser a porta de entrada de uma geração inteira virou artigo de luxo.

Contudo, o que mais me incomoda não é o número na etiqueta. É a caixa. A tal “edição física” de GTA 6 não vem com disco: dentro dela há apenas um código de download. Na Amazon, sai por R$ 418,40 no Pix e só funciona em conta brasileira da PlayStation. A Rockstar nunca explicou oficialmente o motivo; a imprensa especula que é para evitar vazamentos antes do lançamento e, de quebra, acabar com a revenda. Como sempre, vale mais um engravatado na mão do que dois jogadores voando. Com o disco em mãos, sempre houve aquele ciclo tradicional: compra, zera, vende, troca com o amigo, empresta para o primo, abate no próximo lançamento. Sem mídia física, os R$ 449,90 viram custo cheio, sem um centavo de valor de revenda.

Não me entendam mal. GTA 6 será um fenômeno, e motivos não faltam. Segundo a Edge, o mapa tem o tamanho de GTA IV, GTA V e Red Dead Redemption 2 somados. Mas uma coisa é o jogo ser gigante; outra, bem diferente, é o preço ser justo. O valor em reais foi estipulado como se o Brasil fosse uma filial dos Estados Unidos. A diferença é que o jogador daqui recebe um salário que não tem nada de americano. E ninguém tem culpa de querer jogar o título da década no dia do lançamento; a culpa é de quem olha para o Brasil e só enxerga uma planilha em dólar.

Então, meu recado é simples: se puder, espere. Sinceramente, eu sou entusiasta demais para esperar, mas, com as análises prontas um dia antes do lançamento, segurar a emoção pode ser uma boa ideia. O jogo do Wolverine é o melhor exemplo: comprei para jogar no dia de estreia e me arrependi. Esperar pela primeira promoção é sempre a melhor tática. O jogo mais esperado da década pode muito bem aguardar mais algumas semanas por você. Cabe no bolso do brasileiro? Hoje, não. E a caixa sem disco não cabe nem na estante.

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Existe uma beleza quase poética em jogos de “arrumar as coisas”. Títulos como Unpacked e Venba, os chamados “cozy games”, unem uma trilha sonora calma e cenários tranquilos a uma história por trás. Porém, VHS Chaos: Tidy UP! veio para subverter tudo o que você sabia sobre o gênero. Confira o review de VHS Chaos.

Diferente dos outros jogos “cozy”, VHS Chaos começa literalmente no caos. Assim que dei o play, vi-me dentro de uma videolocadora inspirada nos estabelecimentos dos anos 80. Uma rápida olhada pelo cenário e descubro que todas as prateleiras estão vazias. As fitas? Espalhadas pelo chão e amontoadas pelos corredores desertos. Além disso, equipamentos como videocassetes, gravadores e televisores também fazem parte da bagunça.

O objetivo é bem óbvio: organizar as fitas pelo gênero dos filmes. Mas uma rápida olhadela pela porta principal me indica que a videolocadora foi transportada para outra dimensão. Nada é o que parece ser.

De volta ao interior, e com mais calma para me familiarizar com o ambiente, descubro que existem muitas fitas. E quando digo muitas, são muitas mesmo. O progresso é mostrado por meio de uma barra e, olha, ela demora para aumentar. Além das fitas, também é preciso organizar os equipamentos e colocar alguns pôsteres nos locais certos — tudo ao embalo de trilhas genéricas da época. A sensação é de estar mesmo dentro de uma videolocadora de décadas passadas.

Mãos à obra. Pego uma, duas, três, quatro fitas. Desse jeito vai demorar demais! À medida que os VHSs vão sendo colocados em suas respectivas seções, percebo que vou acumulando créditos. Aí tem coisa. Após conseguir uma quantidade que julgava suficiente, encaminhei-me para o computador do caixa. Mas, antes de acessá-lo, noto um maço de cigarros em cima do balcão. Pego e guardo no bolso. Nunca se sabe.

Ao ligar o desktop, descubro que é possível gastar meus créditos para facilitar o trabalho. O primeiro upgrade foi aumentar a quantidade de fitas que posso carregar ao mesmo tempo. Como o local é grande e são muitos filmes, decido também comprar uma função que coloca automaticamente uma fita em sua respectiva prateleira, mesmo que eu esteja longe dela. Outra facilidade adquirida é “iluminar” a seção correta.

Além dos upgrades, é possível gastar o dinheiro na aparência da loja. Você pode trocar o piso, o teto e as imagens nas paredes. E sim, isso influencia na gameplay, já que o contraste do chão com as fitas pode facilitar ou atrapalhar o progresso. Por hora, decido deixar tudo como está e focar apenas nas melhorias que facilitam o meu trabalho.

O tempo vai passando e noto que as fitas não acabam nunca. Pegar, olhar, encontrar e guardar. Como eu disse, é uma beleza quase poética, mas que precisa de paciência para ser apreciada. De outra maneira, eu poderia muito bem ir embora e largar essa zona toda para trás. Mas eis que VHS Chaos nos surpreende com o modo cooperativo.

Não que o modo entregue algo de outro planeta — apesar de a locadora estar em outra dimensão —, mas deixa o processo muito mais rápido e divertido se jogado com amigos. Como prefiro a solidão cósmica, optei por dar continuidade ao trabalho sem a ajuda de mais ninguém. Dessa maneira, a satisfação é muito maior e também posso alimentar o meu TOC organizando os filmes à minha maneira.

Por falar nos filmes, é incrível a quantidade de títulos diferentes, todos eles com capa, contracapa e sinopse. Tudo graças a ela, sempre ela: a Inteligência Artificial. De outra forma, acredito que o jogo demoraria muito mais para ficar pronto. VHS Chaos é um ótimo exemplo do bom uso da IA em games.

Temos desde documentários como Dinossauros: O Mundo Perdido, filmes de romance (Amor Acima das Nuvens), aventura (O Salão dos Reis Perdidos), terror (Uivo da Lua de Sangue) e animes — muitos animes. Tendo a crer que o criador é meio apaixonado pelo tema. É de longe o gênero com mais títulos e, para piorar o meu trabalho, muitas capas são quase idênticas. E vejam só: tem até uma seção com filmes para adultos! Mas, infelizmente, a porta está trancada. Não foi desta vez.

O caos vai tomando forma e a entropia vai indo embora conforme coloco as fitas nas estantes corretas. Com o passar do tempo, já tenho memorizado onde fica cada gênero, e assim o progresso começa a ser mais rápido.

VHS Chaos possui mais de três mil fitas para serem organizadas, além dos equipamentos e dos upgrades a serem feitos. Ou seja, você terá muito tempo de jogo. E, se você tiver um TOC tão forte quanto o meu, pode colocar mais algumas horas para organizar tudo por ordem alfabética, cor de capa ou qualquer outra regra que o deixe feliz e tranquilo. VHS Chaos é exatamente sobre isso: deixar as preocupações do lado de fora, dar o play naquele hit dos anos 80 e relaxar — ou não — por horas e horas.

Um abraço ao pessoal da RewindApp que disponibilizou gratuitamente o jogo através do site Game Press.

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Os últimos dias chamaram a atenção da comunidade gamer com o novo desbloqueio do PlayStation 5. O grande atrativo, porém, não é nem poder jogar qualquer game de qualquer plataforma sem pagar nada, mas a descoberta de que, sim, o console pode muito bem rodar jogos de PS2 e PS3 — algo que a Sony dizia ser impossível. Esse destrave não só abriu as comportas da pirataria, como mostrou que a empresa estava enganando o consumidor e que a decisão de acabar com as mídias físicas foi empurrada goela abaixo para satisfazer os engravatados.

No momento em que escrevo estas linhas, a Sony conseguiu tirar do ar o site do Overdrive — um dos programas que desbloqueavam o PS5. Porém, isso é uma verdadeira Hidra: corte uma cabeça e duas nascem no lugar. No início dos anos 2000, vimos o mesmo fenômeno acontecer com o PlayStation 2. O console só é o monstro que é por causa da pirataria. Sem o famoso “3 por 10”, o videogame mais vendido da história com certeza não teria alcançado esse patamar. A diferença é que, na época, não existia essa de mídia digital. A Sony não tinha para onde correr. Ou seja, os mares ficaram livres para uma navegação tranquila durante anos.

O tempo passa, o tempo voa, e a Poupança Bamerindus… assim como o banco que foi para o além, a mídia física está tomando o mesmo caminho. A Sony, inclusive, em mais uma incursão, não cansa de salientar que tudo será encerrado em 2028. Da mesma maneira que vivi o fim dos filmes em discos, agora verei o enterro dos jogos.

Mas, como dizem por aí: “Se comprar não é possuir, piratear não é roubar”, então, que venha uma nova fase de ouro da pirataria nos consoles da geração atual. E tudo por culpa dela, sempre ela: a Inteligência Artificial.

Um programador levaria anos para realizar um processo de engenharia reversa para fazer rodar os jogos de PS5 no computador, por exemplo. Mas, com a IA, esse problema ficou para trás. Em questão de minutos, o programa reconhece todos os zeros e uns e simplesmente consegue emular — ou até mesmo rodar nativamente — um jogo em praticamente qualquer máquina. E, no caso do PlayStation 5, consegue fazer o console reconhecer discos originais (e em alguns casos até os alternativos) de PS2 e PS3. O PS1 ainda fica um pouco para trás porque a arquitetura era em CD, e não DVD/Blu-ray. Mas com certeza esse dia está perto.

Assim como no início do Século XXI, quando a Sony não tinha controle dos jogos que eram lançados, estamos de volta à mesma situação. A diferença é que agora a companhia quer, de qualquer maneira, empurrar o formato digital. Eu gosto do formato digital. É muito cômodo você ligar o videogame, comprar e jogar no mesmo momento. Mas, mesmo assim, há pessoas que preferem o modelo antigo, seja para colecionar ou para ser “dono do jogo”. Só que a Sony está cagando e andando para essa parcela.

Pois bem, então está na hora de virar esse tabuleiro. Quero ver uma explosão de novos programas que destravem todo e qualquer console. Quero ver as grandes companhias correndo feito baratas tontas. Quero ver os engravatados com caganeira. Quero ver a IA trabalhando cada vez mais em prol dos jogadores. Seria muito bem-feito. Afinal, não são essas mesmas empresas que estão secando todas as fontes de chips e memórias para construir arquiteturas baseadas em IA? Então, que usemos o mesmo remédio para combater esse mal!

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A espera por um jogo do Wolverine foi longa. Desde o lançamento de X-Men Origins: Wolverine, em 2009, os fãs de Logan aguardavam por este momento. Com a Insomniac Games no comando, a expectativa era de um título tão bom quanto (ou pelo menos igual a) Spider-Man 1 e 2. Inclusive, dizem que ambos dividem o mesmo universo. A ideia parecia promissora. Porém, após finalizar o jogo, fiquei com um gosto amargo na boca. Confira a análise completa de Marvel’s Wolverine.

ATENÇÃO! ATENÇÃO! Não gosto de dar spoilers — principalmente sobre a história — em minhas análises. Mas, desta vez, não tem como. Então, tome cuidado! Se você ainda não jogou Marvel’s Wolverine, saiba que este texto contém alguns spoilers (principalmente sobre a trama).

Ainda aqui? Então, vamos nessa!

Demorei um pouco para escrever estas linhas porque Marvel’s Wolverine me deixou um tanto quanto dividido. Na pele de um gamer que só quer se divertir, o jogo entrega bastante coisa. O novo título da Insomniac é, de longe, o mais bonito entre os exclusivos do PlayStation 5. Os efeitos de partículas, sombras, iluminação e a construção dos cenários: tudo teve uma atenção aos detalhes de cair o queixo.

O jogo é tão bonito e bem-feito que o fotógrafo virtual dentro de mim foi resgatado do limbo. Fazia tempo que eu queria voltar às capturas de tela, mas nenhum jogo tinha me instigado até a chegada de Marvel’s Wolverine. As texturas, os uniformes, as garras... tudo fica ainda mais perfeito no Modo Foto. A Insomniac Games já tinha mostrado nos jogos do Homem-Aranha como se faz, e, com o Wolverine, o modo está ainda melhor. Mas vamos ao que interessa!

O mais novo jogo do Baixinho — ainda sob o ângulo de um gamer — é pura diversão! Estraçalhar inimigos com as famigeradas garras de adamantium enquanto o sangue jorra para todos os lados era uma das coisas que eu mais queria. Os efeitos sonoros aumentam ainda mais a imersão. Wolverine arfa, grita e esbraveja como um verdadeiro carcaju lutando pela vida. A dublagem brasileira ficou a cargo do talentoso Arthur Machado. Joguei as primeiras horas dublado em português e depois mudei para o áudio original, como sempre faço. Apesar de a versão tupiniquim estar satisfatória, o jogo mudou completamente quando coloquei a voz de Liam McIntyre. Nada contra os profissionais brasileiros, mas, neste caso, o áudio original deu outra vida ao título. Sinceramente, minha análise seria um pouco diferente se eu tivesse zerado ouvindo apenas o áudio em português. Marvel’s Wolverine acaba ficando mais crível. Afinal, um jogo tão bem acabado merece um lip sync perfeito! Pode parecer pouco, mas, para quem busca perfeição, esse detalhe é indiscutível.

Com gráficos de ponta, áudio impecável e gameplay divertida, parece um jogo sem falhas. Errado! Com cerca de duas ou três horas de jogo, já foi possível experimentar todos os sistemas de gameplay. Se como gamer casual eu me diverti, como jornalista a satisfação foi bem diferente. E tudo por culpa das milhares de decisões erradas tomadas pela equipe. Não sei se houve dedo da Sweet Baby Inc. no roteiro, mas, infelizmente, a história — assim como alguns elementos de gameplay e narrativa — não conseguiu alcançar o mesmo nível dos gráficos.

O maior problema é a “novela” entre Logan e Jean Grey. Por ser uma história de origem, acompanhamos o encontro dos heróis e o desenvolvimento do romance entre eles. Em Marvel’s Wolverine, Logan tem amnésia, e Jean é responsável por trazer suas lembranças de volta enquanto ajuda o Caolho a combater os inimigos. Além de simples, o roteiro cria uma tensão entre Wolverine e Nathaniel Essex — dublado pelo excelente Troy Baker — que depois é jogada no lixo.

Logan passa o jogo todo buscando seu passado ao lado da Ruiva. Seus longos anos de sobrevivência foram permeados pela presença de Jean. Porém, como perdeu a memória, ele não se lembra desses encontros. O clímax aumenta quando Logan percebe que Essex está por trás de tudo e parte para cima do vilão. Até aí, nada fora do normal. Contudo, tomado de raiva porque um certo Apocalipse invadiu sua mente, Wolverine fica fora de si. E a única maneira de acalmar o herói foi — adivinhem — a Jean apagar as memórias do cara! Ah, eu não consegui acreditar. Tudo o que passei, todos os inimigos que enfrentei, todo o romance com a Jean, toda a aventura... pareceu que nada valeu a pena. Voltamos à estaca zero! Uma decisão errada, assim como a introdução do Apocalipse.

O vilão mais marcante dos X-Men só aparece como uma voz nas mentes de Logan e Jean. Mas, em mais uma decisão equivocada, sabemos que aquela voz é de En Sabah Nur porque simplesmente o nome dele aparece na legenda. O que custava colocar “Voz Misteriosa” ou alguns pontos de interrogação para indicar o interlocutor? Não: decidiram revelar o Apocalipse sem a menor cerimônia. Seria muito mais surpreendente se essa revelação só acontecesse quando Jean, na cena em que ajuda Logan a sair do transe, falasse sobre ele. Decisão errada!

Outro ponto discutível é a evolução de Logan que não é nada orgânica. Tudo bem que o personagem é apelão por natureza, mas é tão fácil subir de nível que, antes da metade do jogo, eu já tinha liberado praticamente todas as habilidades. A sensação de progressão é fraca, e a velha fórmula de desafio e recompensa é inexistente. Outra decisão errada é a possibilidade de “zerar” o jogo sem quase encostar no controle. Por ser um jogo linear, eu esperava muitas set pieces cinematográficas que me fizessem sentir o verdadeiro Wolverine. Infelizmente, não é o caso.

O jogo tem vários momentos — muitos mesmo, além da conta — com cenas gravadas que poderiam facilmente ser set pieces com os famosos Quick Time Events. Porém, em mais uma decisão errada (e aí não sei se a SBI teve dedo nisso), optaram por deixar o jogador apenas como espectador. Ora, se eu quisesse apenas assistir, teria dado o play em algum filme do Wolverine. Foi uma escolha bem equivocada, pois fica nítido que preferiram retirar a gameplay dessas seções.

Mas o que me deixou mais triste foi o tratamento dado ao rosto de Logan. Não consigo fechar os olhos sem que aquele semblante de “cachorro sem dono” apareça na minha mente. Wolverine é sinônimo de um ser animalesco, furioso e sem tempo para frescuras, o que não acontece aqui. Eu sei que as capturas foram feitas para que Logan ficasse parecido com Liam McIntyre, mas poderiam ter ajustado alguns traços para que o personagem lembrasse mais sua essência original. Sinceramente, a impressão que dá é que o Logan sempre tira um tempo para retocar o lápis de olho.

Vejam bem: quando ele está com o traje completo (roupa e máscara), é o carcaju encarnado. Mas, na maior parte do tempo, está com roupas civis ou o traje vai se degradando e, devido a mais uma decisão errada, é impossível trocá-lo. São trechos inteiros com o Wolverine bancando o durão só para, em um corte de cena, mostrarem aquele olhar... aquele maldito olhar!

Marvel’s Wolverine tinha tudo para ser o jogo definitivo do herói mais aclamado dos quadrinhos, mas está recheado de decisões erradas. Sem dúvida, a Sweet Baby Inc. teve um papel preponderante nessas escolhas. Definitivamente, não é um jogo que vale R$ 400,00. E, se há um ponto positivo nessa história toda, é que a Sony precisa urgentemente rever sua parceria com a SBI se quiser voltar aos trilhos.

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Quem acompanha o mundo dos games deve ter percebido que a sigla DLSS 5 tomou de assalto a internet. O Deep Learning Super Sampling é uma tecnologia da NVIDIA para aumentar a taxa de quadros e o desempenho gráfico dos jogos. A quinta versão difere das anteriores por atuar no estágio final do pipeline gráfico. Ou seja, enquanto os sistemas antigos focavam no upscaling e na geração de quadros, o DLSS 5 usa a inteligência artificial para aprimorar o realismo visual da cena. Não entendeu? Então se liga no vídeo abaixo da própria NVIDIA:

E aí? Achou que mudou alguma coisa? Nem eu. Apesar de essa nova tecnologia parecer coisa de outro mundo, a verdade é que ela é completamente desnecessária para os jogos atuais. Pegue o mesmo Resident Evil Requiem rodando no PS5 e perceba que, mesmo sendo jogado em um console, o game está muito bonito e bem acabado. Confira a gameplay:

Sim, o DLSS 5 faz milagres mesmo em jogos atuais, mas para isso é preciso ter um verdadeiro setup da NASA em casa para poder desfrutar de tudo o que essa tecnologia pode oferecer. Aí já temos o primeiro problema: gastar em média R$ 20 mil não é para qualquer um — ainda mais quando colocamos na balança os valores dos consoles. Outro problema: vale a pena abrir mão dos frames por segundo para ter mais realismo? Quando eu conheci os 60 fps, não consegui mais voltar atrás. O 4K é lindo, mas jogar a 30 fps é uma tortura.

Como eu não tenho o PC da NASA nem dinheiro para montar um, vejo o DLSS 5 como uma ótima ferramenta para os jogos mais antigos. A nostalgia bateu forte vendo alguns velhos títulos rodando com a tecnologia da NVIDIA.

Games da sexta geração (PS2, Xbox, GameCube e Dreamcast) ganharam vida nova e me fizeram voltar ao tempo em que tudo o que eu jogava era lindo e maravilhoso. Engraçado como a nossa mente nostálgica é perigosa. Já tentei dar o play em diversos jogos de SNES, PS1, N64, PS2 e até PS3 para relembrar os bons momentos, e aí vem um verdadeiro soco no estômago: “Não era assim tão feio na época”. Pois é, era sim. Nós que éramos menos exigentes. Tentar seguir adiante com certos jogos é impossível, por isso a importância dos remakes e remasters, como eu escrevi em outro texto.

Usar o DLSS 5 nos games mais antigos só tem pontos positivos. Você não precisa de um computador ultrapoderoso nem de sacrificar os frames por segundo. De quebra, ainda não terá a memória afetiva arruinada quando jogar aquele clássico dos anos 90. O único “perigo” que eu enxergo nessa tecnologia é o mesmo receio que eu tinha com os 60 fps: uma vez adentrado a este universo, dificilmente você voltará atrás.

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De uns meses para cá, tenho percebido um movimento deveras estranho na comunidade gamer: reclamar e xingar de tudo. Mas esse também é o esporte favorito das pessoas na internet. Porém, para mim, que acompanho os videogames desde a época do Nintendinho, acho isso um tanto exagerado. Uma coisa é reclamar de ações tomadas pelas empresas que prejudicam os jogadores; outra é fritar o dedo no teclado só porque o jogo não roda a 60 fps ou porque a protagonista é uma mulher careca.

A bola da vez é Grand Theft Auto VI e Wolverine. O jogo da Rockstar, por mais incrível que tenha sido o vídeo divulgado na Netflix, é alvo de haters porque a empresa divulgou que o game rodará a 30 fps. Motivo suficiente para os chorões abrirem o berreiro. Aí já viu: passa boi, passa boiada. As redes sociais foram inundadas com comparações esdrúxulas entre GTA VI e jogos mais antigos: “Ain, no RDR2 dá para ver a alça da arma”, ou “Ain, tá parecendo o mesmo jogo que foi lançado no PlayStation 3”.

Wolverine não fica atrás. No caso do jogo da Insomniac, o escrutínio é ainda maior. Fãs alegam que o jogo não é fiel ao personagem, que o título lançado em 2009, X-Men Origins: Wolverine, é superior e que a Jean Grey não se parece com a Jean Grey. Para piorar, os jogadores perdem a noção ao criticar a escolha da consultoria Sweet Baby Inc. para deixar o jogo mais “aceitável” para o momento atual.

Veja bem, eu também acho forçadas algumas escolhas da empresa e sou da turma que acredita que isso afeta a liberdade criativa dos desenvolvedores. Mas tenho neurônios suficientes para entender a situação. Não gostou de um personagem? Acha que o enredo é só para cumprir agenda? Odeia jogar a 30 fps? A solução é simples: passe longe do game! Tenho certeza de que a sua sanidade vai agradecer.

Se o jogo foi feito de tal maneira, é porque os desenvolvedores o quiseram assim. Mesmo que algumas escolhas possam ter sido “forçadas” para agradar a X ou Y, na maioria das vezes isso não estraga a jogatina. Zerei estes dias o belíssimo Resonance: A Plague Tale. Em certo momento do jogo, é revelado que o herói mítico Teseu é outra pessoa. Achei meio “meh”; afinal, a mitologia do personagem já está estabelecida há séculos. Mas não é por conta disso que vou criticar o jogo como um todo e xingar muito no Twitter — X, na verdade, eu sei.

Outro problema, talvez o maior de todos, são os “jogadores de YouTube”. Essa turma é dose. Não jogam nada, mas assistem a gameplays completas de diversos títulos. Aí lá vai o trollzinho com seus dedos nervosos xingar o game nas redes sociais sem sequer tê-lo experimentado. Ele se baseia em um vídeo de terceiros assistido em uma resolução porca, com a internet travando e alimentado pela opinião de quem está com o controle em mãos. Como levar uma pessoa dessas a sério? Sem contar o desprezo que o fã de uma marca tem pela rival. Mas isso é assunto para outro dia.

Seja feliz com aquilo que lhe faz bem. Não perca seu tempo xingando um game que você já sabe que não vai jogar. Não saia criticando um título que você só viu pelo YouTube. Tenho uma frase que digo aos meus filhos e que cabe muito bem aqui: se você não sabe do que está falando, não fale.

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Depois que a Sony sinalizou o encerramento gradual dos jogos em mídia física a partir de 2028, não consegui parar de refletir sobre os rumos da nossa indústria. A verdade é incômoda, mas precisa ser dita: os maiores culpados por esse cenário somos nós, os próprios jogadores. Ou você vai me dizer que nunca comprou sequer um jogo digital na vida pela simples conveniência de não precisar sair de casa ou esperar o entregador?

O que muitos esquecem — seja pela pouca idade ou por falta de memória — é que essa batalha começou a ser perdida há duas décadas, quando a Netflix enterrou o modelo das locadoras de vídeo. Sendo a Blockbuster a mais famosa. De lá para cá, a tecnologia do streaming avançou na velocidade da luz. Hoje, além de consumir filmes e séries em alta definição com apenas um clique, já podemos jogar títulos complexos via nuvem sem nem precisar instalar um único arquivo no console ou no PC.

Porém, o grande vilão dessa história é algo que aceitamos em silêncio: no modelo digital, nós nunca compramos o jogo de fato. Nós apenas adquirimos uma licença temporária de uso. Quando o detentor dos direitos autorais decidir retirar a obra do catálogo, só nos resta aceitar a perda.

Os exemplos desse problema não faltam e ficam mais claros a cada ano. Um caso recente e emblemático ocorreu quando o Google simplesmente removeu a versão estendida da trilogia O Senhor dos Anéis de seu serviço de vídeo: mesmo quem já tinha pago pelo conteúdo perdeu o acesso de forma definitiva aos filmes.

Com os videogames, o risco é exatamente o mesmo. A partir do momento em que Sony, Microsoft, Nintendo ou qualquer grande publisher decidir desligar os servidores ou encerrar os contratos de licenciamento, o jogo desaparece da sua biblioteca e o jogador fica chupando o dedo, sem qualquer respaldo.

Diante desse caminho sem volta — até porque empresas como a Capcom já confirmaram publicamente que as vendas digitais representam cerca de 90% dos seus lucros —, precisamos encarar a realidade e discutir soluções reais para mitigar esse prejuízo do consumidor.

Se a decisão de extinguir o disco e a fita é irreversível, a forma como as empresas tratam o nosso dinheiro também precisa se adaptar. Uma alternativa justa para esse ecossistema 100% digital seria a revisão completa das políticas de reembolso, abrindo espaço para um modelo sem prazo de validade engessado.

Hoje, quando você compra um jogo na PlayStation Store, por exemplo, o regulamento estabelece um limite de até 14 dias para solicitar a devolução do dinheiro — desde que você nem sequer tenha iniciado o download do produto. Se você baixar, jogar por duas horas e achar o game quebrado ou ruim, conseguir o estorno vira uma batalha burocrática quase impossível.

Já que ficamos reféns do controle total das plataformas, o correto seria termos o direito de pedir reembolso a qualquer momento em que a nossa licença for afetada ou quando o produto não entregar o prometido. Em um mercado onde edições especiais e Deluxe — como o vindouro Marvel’s Wolverine — chegam custando facilmente R$ 455,90 ou mais, o consumidor não pode arcar sozinho com todos os riscos.

No mundo ideal, o jogador deveria poder investir no título, aproveitar a experiência e ter garantias claras de estorno caso o serviço seja alterado ou descontinuado pela empresa. Sei que dificilmente as gigantes da indústria vão adotar uma política tão favorável de bom grado, mas o justo é o justo.

Enquanto o mercado se reestrutura para abandonar de vez as prateleiras, seguimos na esperança de que órgãos de defesa do consumidor e a própria pressão da comunidade alcancem mudanças favoráveis aos jogadores. Até lá, resta ao público decidir entre reclamar nas redes sociais ou aceitar de vez essa nova era da indústria.

E você, o que pensa sobre o fim da mídia física? Já migrou 100% para o digital ou ainda faz questão de ter a caixinha na estante?

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Sempre tive uma relação muito próxima com os videogames. Desde cedo peguei gosto pela coisa e lembro com carinho de cada fase da minha vida gamer. Nos últimos anos, porém, jogo mais do que deveria e menos do que gostaria. Sabe como é: vida de pai gamer não é fácil. E tem um protagonista que ilustra muito bem essa relação entre pai e filhos. Estou falando de Kratos, da franquia God of War.

Acompanho o Deus da Guerra desde a sua primeira aparição, em março de 2005. Sinceramente, eu ainda não tinha parado para pensar sobre isso até começar a escrever estas mal traçadas linhas. Já são mais de 20 anos! E cá estou eu, duas décadas mais velho, pai de três e com algumas histórias para contar.

Lá estava eu, no alto de meus 23 anos — uma vez criança, criança para sempre —, indo comprar o game em alguma barraquinha perto de casa. Depois de ter jogado o início da aventura, pensei comigo mesmo que deveria mostrar aquilo para alguém. Então fui correndo com o meu PlayStation 2 para a casa de um amigo. Que tarde maravilhosa! A casa dele tinha um quintal nos fundos. Levamos a tubona de 29 polegadas da sala, abrimos uma latinha e começamos a jogatina.

Depois do primeiro God of War, foram mais sete títulos principais lançados. A grande virada de chave foi com o jogo de mesmo nome que chegou em 2018 para o PlayStation 4. Mas antes de falar sobre o “garoto” e seu pai, é preciso lembrar que Kratos só virou o Deus da Guerra por conta da paternidade.

Cego pela fúria e sedento por sangue, Kratos ceifa a vida de sua esposa e filha. Cansado dos anos guerreando em nome dos deuses gregos, ele queima a cabana junto com os corpos de sua família. As cinzas aderem à sua pele, transformando-o no temido Fantasma de Esparta. Kratos então inicia sua vingança para acabar com aqueles que o traíram! POOOOOORRA! Que pai faria diferente? Pode mexer comigo, mas não mexe com a minha família.

Na época, eu não entendia direito suas motivações. O que eu queria mesmo era descer a bordoada nos inimigos, arrancar os seus membros e ver o sangue jorrar na tela. Mas o tempo foi passando e todos os envolvidos na vida de Kratos — sim, estou falando dos criadores, diretores, produtores, roteiristas, dubladores, programadores etc. — foram amadurecendo. O mesmo aconteceu comigo. E quando a Santa Monica Studio lançou o novo God of War, em 2018, eu já era pai de três, sendo o primogênito um “garoto”.

Quando dei o play pela primeira vez, não podia acreditar no que os meus olhos estavam vendo. Um Kratos mais velho, barbado e com um filho. Aquilo explodiu a minha mente. É como se os roteiristas tivessem escrito a história para mim. Antes um jovem adulto rebelde, que se achava o pica das galáxias e que nada ia acontecer com ele; agora, um adulto responsável que mede as palavras porque precisa ser melhor. Eu me vi naquele Kratos! Não que eu fosse uma pessoa furiosa — mesmo tendo a minha cota de rebeldia, depois que virei pai, tudo isso ficou apenas na memória.

Kratos deixou sua terra natal para encontrar uma nova vida bem longe de casa. Mas, como dizem por aí, casa é apenas um estado de espírito. Ela está onde nós estamos. Melhor ainda se for junto com a nossa família. Ao lado de seu filho Atreus, o antigo Fantasma de Esparta ainda precisa lutar contra o seu passado. É quase uma sessão de terapia, só que, em vez de ficar conversando, você senta o braço em quem aparecer pela frente. Existem jeitos e jeitos de se lidar com os demônios pessoais.

Uma das cenas que mais me marcaram nesta fase do papai Kratos é quando Atreus faz algum tipo de cagada e fica se desculpando. Então, com sua voz poderosa — meu amigo Ricardo Juarez mandou bem demais na dublagem brasileira —, ele se vira para o garoto e fala: “Não quero desculpas, apenas melhore”. E é isso que eu tento ser com os meus filhos: apenas melhor. Afinal, ser pai é ser você mesmo, só que melhorado, porque agora temos alguém para dar o exemplo.

Feliz Dia dos Pais para todos os Kratos deste mundo!

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Se você acompanha as notícias no universo dos games, já deve ter notado um padrão nos últimos anos: uma verdadeira enxurrada de jogos indies invadindo as lojas virtuais. A princípio, a diversidade é excelente, mas é preciso ter um pé atrás e olhar para esse cenário com mais criticidade. Vamos discutir por que a supervalorização do mercado independente, aliada ao avanço desenfreado da Inteligência Artificial (IA), pode ser um sinal de alerta vermelho para o futuro dos consoles e para as grandes publishers.

Não é de hoje que nos deparamos com notas altíssimas em portais conhecidos que, muitas vezes, não condizem com a realidade do gameplay. Existe uma tendência na grande mídia de romantizar o desenvolvimento independente. Talvez por serem feitos por estúdios menores — ou até mesmo por uma única pessoa —, cria-se uma narrativa que acaba por “decidir” que essas obras são, por padrão, superiores aos títulos AAA que demoram anos e custam milhões de dólares para saírem do papel.

A dura verdade é que a grande maioria dos indies atuais se divide em duas categorias frustrantes. Os caça-níqueis: Jogos feitos às pressas apenas para gerar lucro rápido em promoções da Steam ou da PS Store. E as cópias descaradas: Clones sem inspiração que apenas reciclam mecânicas de gêneros famosos, como Soulslikes ou Metroidvanias, sem adicionar nada de novo.

Como se a saturação do mercado já não fosse um problema, um novo elemento entrou na equação: a Inteligência Artificial. Num mundo onde a IA está dominando processos criativos, a preguiça humana parece ter encontrado o seu ápice.

Se antes já era fácil lançar jogos genéricos utilizando assets comprados prontos, com a IA gerando roteiros, artes e até linhas de código em segundos, fatalmente veremos a proliferação de títulos rasos com uma frequência assustadora. A criatividade genuína, o suor e a paixão que formam a alma de um grande jogo correm o risco de ser substituídos por algoritmos sem vida.

Diante desse cenário de mediocridade iminente, chegou a hora das grandes publishers acordarem e começarem a olhar com carinho e respeito para os artistas e profissionais de carne e osso. Gigantes como Microsoft, Sony e Nintendo possuem recursos financeiros praticamente infinitos e abrigam mentes extremamente capacitadas — ou, ao menos, é o mínimo que se espera de corporações desse porte. O talento humano precisa ser o pilar da indústria, e não um custo a ser cortado.

É urgente que essas empresas parem de pautar suas decisões exclusivamente na satisfação dos donos das ações e nos gráficos de lucro trimestrais. O foco precisa voltar para quem realmente sustenta esse mercado: os jogadores. O que a comunidade anseia é muito simples e se traduz em jogos inéditos, de qualidade técnica inquestionável e com uma frequência de lançamentos que justifique o investimento em hardwares de última geração.

Sabemos que, muitas vezes, essas gigantes parecem remar contra a maré do bom senso e dos desejos do consumidor, como ficou claro no direcionamento cada vez mais forte para o fim das mídias físicas, um movimento fortemente encabeçado por posicionamentos recentes da Sony. Contudo, não podemos ignorar o fato de que elas ainda detêm o controle absoluto do mercado. A chave para a salvação da indústria está em um equilíbrio delicado.

Se houver menos ganância corporativa e mais inteligência na valorização do esforço humano genuíno, é perfeitamente possível que as próximas gerações de consoles voltem a ostentar o brilho, a inovação e a magia que sempre nos fizeram apaixonados por videogames. O futuro não pertence aos robôs de inteligência artificial ou aos clones de baixo orçamento, mas sim à coragem de investir na verdadeira criatividade humana.

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A morte da mídia física nos videogames não é uma surpresa para ninguém. O movimento que hoje vemos se consolidar na indústria dos jogos começou anos atrás, quando a Netflix mudou nossa forma de consumir cinema e o Spotify transformou a indústria musical. A transição para o formato intangível era o caminho natural para qualquer mídia de entretenimento. Livros, quadrinhos, álbuns e filmes: hoje, quase tudo reside nos servidores da nuvem. Com os games, o destino não seria diferente.

No entanto, há uma diferença crucial e alarmante entre a digitalização dos consoles e a dos PCs ou do streaming de vídeo. O problema real nunca foi o fim do disco. O problema é o monopólio digital que Sony e Microsoft estão consolidando.

Quando a mídia física dominava, o jogador tinha o poder de escolha. Se o preço de um lançamento estivesse abusivo em uma grande rede de varejo, bastava procurar em outra loja, recorrer ao mercado de usados ou trocar com um amigo. Havia concorrência real.

No ecossistema atual dos consoles, ao retirar o leitor de disco do hardware — tendência que se consolida com modelos puramente digitais e revisões de meia geração —, a dona da plataforma se torna o único ponto de venda possível. Se você joga no PlayStation 5 Digital, você está 100% refém dos preços praticados pela PlayStation Store. Se o jogo custa R$ 350 no lançamento e não entra em promoção por meses, não existe alternativa legal para adquiri-lo mais barato.

Sem a concorrência das prateleiras físicas, as gigantes do setor ganham o poder absoluto de ditar as regras do mercado, tabelar preços e controlar a distribuição. Você não é mais “dono” do seu jogo; você apenas aluga uma licença de uso que pode ser revogada ou modificada a qualquer momento.

Muitos defensores da digitalização irrestrita argumentam: “Mas os PCs já abandonaram a mídia física há quase duas décadas e o mercado nunca esteve tão forte”. Isso é verdade, mas ignora um detalhe fundamental: o PC é uma plataforma aberta.

No computador, a morte do CD-ROM não criou um monopólio. Embora a Steam seja a gigante soberana, ela divide espaço constantemente com a Epic Games Store, GOG (com sua política de jogos sem DRM), e Nuuvem, por exemplo.

Se um jogo está caro na plataforma da Valve, o jogador pode buscar uma chave de ativação em um site parceiro ou esperar a agressividade de promoções concorrentes. Essa disputa de mercado força os preços para baixo e beneficia o consumidor. Nos consoles, a barreira que separa as lojas é intransponível.

Se a Sony e a Microsoft acreditam que o público aceitará passivamente um cenário de preços inflacionados e controle absoluto de ecossistema, elas podem estar cometendo um erro estratégico histórico.

O PC Gaming nunca foi tão atraente e acessível em termos de variedade de hardware — incluindo a popularização dos PCs portáteis. Se os consoles de mesa perderem a vantagem do custo-benefício e da liberdade de escolha do formato físico, eles perdem sua principal identidade.

A era digital veio para ficar, e ela traz conveniências inegáveis. Mas enquanto a indústria não entender que mercado digital precisa de livre concorrência, os consoles estarão cavando a própria cova diante de plataformas mais abertas e justas com o bolso do jogador.

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Na maioria das vezes o simples acaba sendo o mais garantido, e a Ubisoft aprendeu isso da pior maneira possível. Há quase dez anos, durante a E3 de 2017, a desenvolvedora anunciou um projeto ambicioso: Skull and Bones. A ideia era pegar tudo o que deu certo em Assassin’s Creed IV: Black Flag, aumentar o escopo e entregar um mundo aberto online de pirataria para ser jogado com os amigos. Mas não foi bem isso o que aconteceu.

Skull and Bones, carinhosamente apelidado de “eschulhambones”, lançado em fevereiro de 2024, foi literalmente um barco furado. A gana por querer fazer dinheiro fácil com os GAAS (games as a service) acabou atrapalhando o produto final. Na vontade de entregar um título “AAAA”, como disse monsieur Yves Guillemot, a Ubisoft optou pelo caminho tortuoso das cobranças por itens, skins e seja lá o que for que os jogos do gênero oferecem — quando, na verdade, os jogadores só queriam explorar os sete mares. Então, olharam para trás e viram que a fórmula do sucesso já estava lá, só esperando para ser resgatada.

Assassin’s Creed Black Flag Resync é tudo o que o fã de pirataria em alto-mar poderia querer. Nada de microtransações, longas esperas no servidor ou quedas de conexão; apenas o bom e velho Edward Kenway na atual geração. Obrigado, Ubisoft. Você fez um adulto gamer feliz e nem precisou trabalhar longos anos em um “novo título AAAA”.

Senão, vejamos: AC Black Flag Resync não precisa de servidores, não pede microtransações, não vai te derrubar se a conexão cair e — a melhor parte para alguns — você joga sozinho. O remake do jogo simplesmente marca todas as caixinhas de um título single-player. E quem jogou o original pode ficar tranquilo. A Ubisoft inseriu novas histórias, itens, animações e melhorou o lip sync, sempre mantendo aquela aura pirata que deu tão certo em 2013 quando, pasmem, o jogo chegou para PlayStation 3, Xbox 360 e Wii U.

Para quem jogou o original, uma passada pelo Caribe vai reacender aquela chama de quando os jogos eram focados na diversão do consumidor, e não na necessidade dos acionistas. E para quem passou batido, com certeza essa é uma boa desculpa para quebrar o cofrinho e investir no jogo. Infelizmente, o preço é um aspecto que vai barrar a venda do título. Apesar de a Ubisoft ter dispensado um excelente tratamento ao remake, o jogo não deixa de ser antigo. E cobrar um valor parecido ao de lançamentos atuais soa como Jack Sparrow querendo pegar todos os dobrões espanhóis.

Podiam facilmente ter diminuído o valor para o recado ser claro: “olha, gostamos dos nossos fiéis clientes e queremos manter a parceria por muito tempo”. Porém, em um momento com grandes títulos chegando — como Wolverine e GTA 6, só para ficar nos mais badalados —, Assassin’s Creed Black Flag Resync, pelo preço atual (R$ 299,90 a versão básica e R$ 349,90 a Deluxe), não parece muito interessante para alguns jogadores.

O atual momento do mercado de games também não ajuda. A falta de peças para a construção de hardwares, o aumento significativo de títulos que só querem arrancar o seu dinheiro, centenas (senão milhares) de jogos malfeitos, serviços como Game Pass e Plus sempre na berlinda, demissões de profissionais, o fim da mídia física… nem sei mais o que falar sobre isso. Nada ajuda, e ainda temos que contar com o aumento no preço dos vindouros lançamentos e nos impostos absurdos praticados em terras brasilis. Enfim, a vida do gamer brasileiro nunca foi fácil.

Assassin’s Creed Black Flag, apesar do preço, só quer te divertir. Edward Kenway é um dos personagens mais carismáticos dos games, e reviver suas aventuras com o que a tecnologia tem de melhor é um grande atrativo, principalmente se você for fã da franquia. E para quem nunca jogou, a dica é esperar uma promoção. Tenho certeza de que você vai se surpreender com o jogo, seja com a narrativa, a manutenção e o combate naval, seja para ir de ilha em ilha atrás de tesouros enterrados, ou simplesmente parar na taverna mais próxima, se embriagar com os marujos e sair cantarolando canções piratas até o sol raiar.

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Há 24 anos, o Brasil vivia o seu melhor momento. Enquanto a seleção levantava o Pentacampeonato, as lojas do mercado paralelo eram tomadas pelo melhor e mais bem-sucedido console de todos os tempos: o PlayStation 2. E sim, meus amigos, eu estava lá.

Ao longo dos anos 90, tanto o futebol brasileiro como o mercado de videogames estavam alcançando o seu ápice. Em 1994, o Super Nintendo já havia chegado de forma oficial e definitiva ao Brasil. Enquanto isso, lá nos Estados Unidos, a seleção liderada por Romário quebrou um jejum de 24 anos e sagrou-se tetracampeã. Nas duas Copas seguintes, mais emoções. Enquanto em 98 tivemos que engolir a França naquela fatídica final, em 2002, com Ronaldo Fenômeno, Rivaldo, Ronaldinho Gaúcho e companhia, vimos o Pentacampeonato mais madrugueiro da história.

Dois anos antes, a Sony havia lançado, no Japão e nos EUA, o PlayStation 2. Alguns meses depois, os primeiros modelos “importados” já estavam disponíveis na região da Rua 25 de Março. Como eu estava sem consoles no momento — o meu PlayStation havia sido furtado por meliantes que invadiram a minha casa —, percebi que o PS2 era o caminho natural. Eu só não contava com o preço do danado. Beirando a casa dos R$ 2.000,00, tive que esperar um pouco. Então, no fim de 2002, pude colocar a Operação Diamante, literalmente, na rua.

Juntei meu rico dinheirinho e lá fui eu, com mais quatro amigos, pelas ruas do centro de São Paulo à procura da melhor promoção. Acabamos parando em uma loja de algum turco. Sinceramente, eu não lembro quanto tive que desembolsar pelo PlayStation 2, mas saí de lá com o console já destravado e alguns jogos. O mais importante deles era o Winning Eleven 6. Como a Copa do Mundo já havia acabado, o jogo estava superatualizado, graças ao trabalho de alguns modders da época.

Com aquela caixa enorme em mãos, valendo mais que meus dois rins, a Operação Diamante entrou em ação. Meus quatro amigos (Perroni, Peru, Fernando e Márcio) armaram a zona segura, me rodeando enquanto eu ia no meio. Quem conhece o centro de São Paulo sabe que tudo pode acontecer; por isso, não pestanejei ao convocá-los para a missão. De quebra, lógico, todos iriam experimentar o PlayStation 2 pela primeira vez, já que nenhum deles tinha o console.

O ano de 2002, além do penta e do PS2, ainda me reservou momentos maravilhosos. Foi nesse ano que comecei a namorar a minha esposa. Olha, a coitada sofreu nesse início! Além de passar os últimos meses do ano revendo os jogos da Copa do Mundo, o restante do tempo era dedicado ao PlayStation 2. Mas, resiliente como ela sempre foi, seguimos firmes e fortes e, após 24 anos, estamos todos — nós dois e nossos três filhos — de olho nos jogos da Seleção, na esperança de quebrar o jejum do mesmo jeito que Romário e Bebeto fizeram em 1994!

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Ultimamente tenho me aventurado em jogos que foram lançados há muito tempo. Você já viu aqui a minha opinião sobre o remaster de Shenmue I e II. Resumo em uma palavra: obra-prima — nem tanto pelo remaster, mas por conta do jogo. No momento estou perambulando pela ilha de Shadow Moses no papel de Solid Snake no bravíssimo Metal Gear Solid. E foi aí que me dei conta de que versões atualizadas de títulos antigos deveriam ser mais exploradas pela indústria.

“Nossa, então quer dizer que você prefere jogar um game com mais de 20 anos do que ver novos títulos sendo lançados?”, vai perguntar o mais afoito dos leitores. Calma, jovem gafanhoto. É claro que estou contando os dias para colocar as mãos em Wolverine e GTA 6, por exemplo. Porém, a época de ouro da quinta e da sexta gerações de consoles — estou falando de algo entre 1994 e 2002 — está ficando cada vez mais no fundo do baú.

Os nascidos de 2000 em diante dificilmente se darão ao trabalho de emular o PlayStation ou o Dreamcast em seus computadores e, por que não, até nos celulares. E é ainda mais difícil colocar a mão no bolso e pagar uma pequena fortuna pelos consoles originais e seus respectivos jogos. Por isso, grandes obras dos videogames acabam caindo no esquecimento e só aparecem na mídia quando entram para o Hall da Fama dos Games.

Depois de passar as últimas semanas dedicando meu tempo a esses títulos, mudei de opinião. Se antes eu era o leitor afoito que só queria saber da next-gen, agora eu entendo o motivo de a indústria reviver jogos do passado. E vou além: ela poderia fazer isso mais vezes. E foi com Metal Gear Solid que eu tive a visão.

O primeiro jogo da franquia para PlayStation foi arrasador. O mestre Hideo Kojima simplesmente mudou o estilo de se fazer jogos e deu aos jogadores a chance de uma aventura cinematográfica. Tanto em estilo gráfico quanto em gameplay, enredo e personagens, MGS é uma obra de arte digna dos melhores museus. Mas — sempre tem um “mas” —, mesmo a versão da coleção mais atual ainda é a mesma lançada em 1998. E aí, meu amigo, o gamer na casa dos 20 e poucos anos está cagando e andando para o título que redefiniu a indústria. E a minha opinião é convicta: todos os amantes dos jogos deveriam, ao menos uma vez, experimentar essas joias.

Por isso sou a favor de mais lançamentos de títulos antigos em formato remasterizado — a famosa marmita. A comida é a mesma, mas está quentinha e gostosinha — e, de preferência, “remakeado”, na falta de uma palavra em português. Talvez o exemplo de maior sucesso seja Resident Evil 2. Lançado em 1998 para o PlayStation, e nos anos subsequentes para PC, Nintendo 64 e Dreamcast, o jogo ganhou vida nova em 2019 com uma versão totalmente atual.

Enquanto no jogo original, por conta das limitações técnicas da época, o esquema de câmera travada atrapalhava um pouco, a versão “remakeada” trouxe RE2 para os modelos atuais. Com visão em terceira pessoa, gráficos impressionantes e a chance de jogadores mais novos poderem sentir toda a tensão controlando Leon S. Kennedy e Claire Redfield, a Capcom cumpriu seu papel e deu nova luz ao melhor Resident de todos. Não fosse isso, RE2 estaria mofando em alguma gaveta ao lado de tantos outros jogos que jamais verão um console em suas tristes vidas.

Por isso algumas desenvolvedoras estão abrindo os seus baús para resgatar jogos como Zelda: Ocarina of Time, Final Fantasy VII, Star Fox, God of War, Max Payne e Metal Gear Solid 3: Snake Eater, por exemplo. O momento não poderia ser mais propício. De um lado temos um mercado saturado de “jogos como serviço”, títulos meia-boca que são cópias de jogos consagrados e até mesmo uma enxurrada de “games para streaming”. Do outro, uma biblioteca praticamente infinita de títulos esperando a sua vez de brilhar novamente.

A resposta para esse enigma é simples: mais remakes/remasters, por favor.

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Diferente dos heróis dos filmes de ação “brucutu” das décadas de 1980 e 1990, James Bond sempre foi um protagonista mais charmoso e sagaz do que os personagens de Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone e Bruce Willis, por exemplo. Mas, como tudo na vida segue uma evolução natural, 007 First Light joga uma nova luz (com o trocadilho, obrigado) na origem de Bond. James Bond.

Ao longo dos últimos anos, as prateleiras foram tomadas por dois tipos de jogos: os soulslike e os indies pixelados. O primeiro é para quem tem habilidade — e ainda mais paciência — para derrotar inimigos impossíveis de serem vencidos logo de cara. O segundo abrange uma infinidade de gêneros, mas todos com a mesma cara, inclusive soulslike pixelados. Nada contra, mas não fazem meu estilo.

Olhando para trás, faz total sentido essa evolução. Afinal, da mesma maneira que os jogos da era PlayStation/Xbox deram um passo além do que os consoles ofereciam no final dos anos 1980 e meados de 1990, os títulos de maior sucesso atualmente são uma evolução disso tudo. Ponto para a FromSoftware com o seu gênero Souls — e para quem mais copia a desenvolvedora — e também para empresas como Annapurna, Team Cherry e Thatgamecompany, que mostraram ao mundo que gráficos impressionantes e orçamentos estratosféricos não fazem um bom jogo. E seguimos evoluindo.

007 First Light, o novo título da IO Interactive, é o jogo ideal para quem gosta das melhores películas de ação desenfreada. Diferente dos velhos 007, que eram mais low profile, esse novo James Bond, além de astuto e charmoso, está preparado para qualquer confronto, tiroteio e perseguição. A equipe da IO optou mais pela ação dos filmes liderados por Daniel Craig do que pelos clássicos com Sean Connery e Roger Moore, nos quais as limitações técnicas da época seguravam as mãos dos diretores.

Patrick Gibson, o 007 em First Light, está impecável como James Bond. Facilmente eu assistiria a filmes com ele no papel do espião inglês. Mas para que ver apenas duas horas de filme se eu posso ser o próprio Bond em mais de 20 horas de ação ininterrupta? Se o cinema oferece a “magia da tela grande”, os jogos oferecem tudo isso, e com você no comando. Sinceramente, não existe entretenimento mais completo do que esse.

007 First Light trouxe para os videogames a origem do espião e, de quebra, criou um universo próprio para a franquia. Apesar de não oferecer novidades quando o assunto é gameplay, a IO Interactive mudou a abordagem daqueles tutoriais chatos que quebram a imersão. As fases iniciais misturam o treinamento dos recrutas com pequenos trechos de missões oficiais. Nada de longos textos explicativos ou daquelas telas pedindo para você apertar botões e testar as câmeras. 007 First Light é ação do começo ao fim.

Ação essa que pegou emprestados muitos elementos de Uncharted. O famoso “tiro de murinho” e a travessia dos cenários lembram muito o jogo da Naughty Dog, só que melhorados. Afinal, o último título de Nathan Drake foi lançado há dez anos. Outro jogo que inspirou First Light é Hitman, que não por acaso é da própria IO Interactive. Porém, diferente da franquia encabeçada pelo Agente 47, na qual tudo gira em torno dos disfarces e das infinitas possibilidades para derrotar os oponentes, 007 First Light segura a mão do jogador. Bond até usa disfarces, mas todos são oferecidos pelo MI6 de acordo com a missão. Já na hora do “vamos ver”, a IO optou menos pelo stealth e deixa o jogador livre para tentar abordagens mais diretas.

O combate mano a mano é perfeito, cadenciado e bem coreografado. O tiroteio não fica para trás. Todos os cenários possuem itens explosivos, holofotes para cegar os oponentes e caminhos diversos para seguir em frente. O level design não é dos melhores, mas cumpre o papel para um jogo single-player focado na ação, o que abre espaço para o grande atrativo da franquia 007: os gadgets. E o principal deles é o relógio.

Logo de cara, eu me lembro de GoldenEye 007 para o Nintendo 64. Pierce Brosnan como 007 já usava o relógio para se livrar de algumas situações. Na época em que foi lançado (1997), aquilo era o suprassumo da diversão. Alguém ainda fala “suprassumo”? Por muitos anos, fiquei na espera de um novo jogo do James Bond que trouxesse para os consoles toda a ação que eu assistia nos filmes. A Electronic Arts e a Activision bem que tentaram; somando os títulos lançados por ambas, foram mais de 10 jogos, mas nenhum entregou o esperado.

Ainda bem que o time da IO Interactive resolveu esse problema. James Bond é um dos heróis mais legais da literatura e do cinema e agora, com essa nova história de origem, o 007 de Patrick Gibson tem tudo para se destacar. Bond não voa, não mata deuses e muito menos viaja no tempo. Tudo o que ele precisa é de um terno bem alinhado, um relógio cheio de traquitanas e carros velozes. Com isso em mãos, ele é capaz de vencer qualquer inimigo. Quer dizer, agora, com essa nova franquia que acabou de nascer, é você quem vai controlar o destino de James Bond.

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Existem jogos que são obrigatórios para qualquer amante dos videogames. Franquias como Mario Bros., Grand Theft Auto e God of War são algumas das que precisam figurar em toda prateleira gamer. E, com certeza, Shenmue é um deles. Como na época eu não tinha o Dreamcast, tive que esperar mais de 25 anos por uma versão remasterizada.

Ainda me lembro com bastante vivacidade do fim dos anos 90 e início dos 2000. Beirando a casa dos 20, eu já era um pré-adulto juntando dinheiro para comprar o PlayStation 2. Porém, meu desejo era o Dreamcast. Infelizmente, o console da Sega era mais caro e mais difícil de encontrar. Já o da Sony era presença garantida em toda e qualquer loja ou barraquinha da 25 de Março. Obrigado, pirataria!

Obviamente optei pelo PS2, e a vontade de ter um Dreamcast foi ficando no passado, assim como todos os jogos lançados para o console. Marvel vs. Capcom, Jet Set Radio e Sega Rally Championship eram alguns dos que ficaram na lembrança. Finalmente, em 2026, comprei os dois primeiros jogos da franquia Shenmue numa bela promoção para o PlayStation 5, e só posso dizer que quem jogou no lançamento foi uma pessoa mais feliz.

Shenmue é perfeito em diversos aspectos: exploração, diálogos, combate, narrativa, cenários, personagens… enfim, a Sega marcou todas as caixinhas quando estava desenvolvendo o jogo. Ryo Hazuki é um dos protagonistas mais carismáticos que já conheci. Engraçado, justo e decidido, Ryo é também um mestre nas artes marciais.

Apesar de ser um jogo bem mais contido do que os títulos atuais, se não fosse por Shenmue, com certeza o mundo não estaria na expectativa pelo lançamento de GTA 6! A Sega usou toda a capacidade do Dreamcast e fez um jogo onde é possível ver todos os elementos do mundo aberto. Não, você não pode ir até aquela montanha lá ao fundo, nem roubar carros, agredir pedestres ou participar de tiroteios. Não! Shenmue respeita a cultura japonesa e, acima de tudo, as artes marciais.

Ryo quer vingança pela morte de seu pai. Apesar da simplicidade, a narrativa se desenvolve de uma forma ímpar. Normalmente eu jogo focado na história principal, passo batido por diálogos e não perco meu tempo lendo textos. Porém, com Shenmue foi diferente. Conversei com todo mundo, visitei todas as lojas, perambulei por todos os becos. É incrível como o jogo te impele a realizar todas as ações disponíveis.

Porém, tive um problema ao pegar Shenmue mais de 25 anos após o seu lançamento: eu já tinha jogado praticamente todos os games de mundo aberto! E é aí que a experiência do inédito não funciona tão bem. Eu meio que sabia o que esperar em algumas partes. O jeito foi tentar visualizar o jogador juvenil que estava preso dentro de mim desde o final dos anos 90. Lógico que anos de jogatina fizeram diferença, mas poder notar os aspectos que fizeram de Shenmue (1 e 2) um clássico atemporal ainda foi gratificante.

Sem dúvida, Shenmue é um título obrigatório. Se eu pudesse, gostaria de jogar a obra original, mas não tenho o jogo e muito menos o console. Se você se encontra na mesma situação que eu, compre a versão remasterizada. Apesar de o áudio não ter recebido um refinamento — parece que os personagens estão falando de dentro de um banheiro — e de a câmera ser truncada, atualmente essa é a forma mais fácil de participar da jornada de Ryo.

Em tempo: Shenmue recebeu um terceiro título em 2019, mas esse eu ainda não joguei; estou esperando uma promoção. Apesar dos relatos nada animadores de quem o jogou e de a Sega não ter participado do desenvolvimento, quero colocar as minhas mãos nele para finalmente conhecer o desfecho da jornada de Ryo Hazuki.

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“Na minha época era melhor.” Já reparou que todas as gerações têm o mesmo mantra? Por que na sua época era melhor? Sempre me perguntava isso quando meu pai comentava algo da juventude dele. O que raios um garoto correndo descalço pelas ruas de Tupã nas décadas de 50 e 60 fazia? Só fui entender agora, com 43 anos na cara, casado e com três filhos. Então, se você não vivenciou a rebeldia dos anos 90, o “jogo” Mixtape definitivamente não é para você.

Antes de mais nada, deixe-me explicar por que coloquei “jogo” entre aspas. Mixtape, desenvolvido pela Beethoven & Dinosaur e produzido pela Annapurna Interactive, está mais perto de uma experiência do que de um game. É possível finalizar a história em cerca de 3 horas e, na maior parte do tempo, você assiste às cenas sem precisar fazer nada. Em outros momentos, temos que pegar alguns itens, explorar e conversar com os personagens. Mixtape é isso: tão simples quanto nostálgico.

A Annapurna apostou mais na mensagem do que na gameplay. A produtora tem uma bagagem excelente quando o assunto é “histórias para contar”. Jogos como The Artful Escape — também da Beethoven & Dinosaur — e Stray, além de serem muito bem-feitos graficamente falando, possuem narrativas belíssimas. Em Mixtape, no entanto, eles foram longe. Deixaram o apertar de botões em segundo plano para focar totalmente na experiência da protagonista Stacey Rockford ao lado de seus melhores amigos, Cassandra Morino e Van Slater.

Após o término do colegial, Rockford quer fazer a despedida perfeita. Seu sonho é se tornar uma espécie de produtora musical em Nova York. Desde tenra idade ela compila suas trilhas favoritas em diversas mixtapes (e CDs) e, em seu último dia na cidade, ela tem a fita perfeita. O objetivo é afanar algumas bebidas da irmã mais velha, reunir os amigos e ir para uma festa do colégio.

Além da viagem nostálgica de volta aos quartos cheios de pôsteres, de andar de skate na rua, fazer pirraça com o diretor da escola e reclamar da vida, Mixtape é certeiro na trilha sonora. O jogo é recheado de bandas famosas. Rainbow, DEVO, Silverchair, The Smashing Pumpkins, Iggy Pop e tantas outras estão lá para acompanhar a aventura de Rockford e seus amigos.

Cada faixa tem o momento certo no jogo. Muitas delas são viagens no espectro mais maravilhoso da música. A trilha orquestrada Remember When, de Mitch Murder, por exemplo, te leva para o cosmos da rebeldia adolescente, enquanto Freak, do Silverchair, quebra tudo e deixa claro que Rockford não tem medo de ser feliz.

Sem entrar em spoilers — quem é que gosta de spoilers? —, é óbvio que o planejado não sai como o esperado. Assim como todo adolescente, Rockford é cheia de dúvidas e rebeldia. Não sei vocês, mas comigo foi exatamente assim ao longo dos Anos 90. A principal mensagem em Mixtape é de que uma criação fechada e cheia de regras vai tornar um adolescente mais rebelde do que ele poderia ser. Mais verdadeiro, impossível.

Meus pais — meu pai, principalmente — eram daqueles que batiam e colocavam de castigo. Para que conversar e tentar entender o que estava acontecendo se um bom pescotapa resolvia a situação? Sentar e perguntar como eu estava me sentindo depois de ter levado um zero em matemática não resolvia. Mas o tapão na orelha era garantido. Confesso que na maioria das vezes — eu diria 99,99% delas — eu mereci todos os sermões, cintadas e chineladas; mas, como com Rockford, a rebeldia foi sendo nutrida aos poucos e, quando meus pais perceberam, era tarde demais.

O álcool e o cigarro entraram cedo na minha vida. Mas que fique claro que eu fazia aquilo para afrontar “o sistema”. Fodam-se as leis! Fodam-se as regras! Ser rebelde era muito melhor. Aprontei muito nessa fase da vida e dei alguns bons sustos nos velhos. Hoje eu olho para trás e dou risada. Afinal, se arrepender e tentar refazer as coisas é impossível. E, quando joguei Mixtape, tive uma volta no tempo e pude refletir sobre o quanto eu poderia ter sido diferente. Mas, como dizia o Gladiador: o que fazemos em vida ecoa pela eternidade, ou algo parecido.

Mixtape me fez rir, me fez chorar e me fez perceber que, sim, na minha época era mesmo melhor — da mesma maneira que na época dos meus pais era melhor —, e tenho certeza de que para as gerações mais novas o sentimento é o mesmo. O ser humano é egoísta. Fazer o quê? Por isso, afirmei que Mixtape é perfeito para quem foi adolescente nos anos 90. Além da seleção musical arrasadora — prêmio de melhor trilha sonora, por favor —, o título conta uma história que provavelmente muitos viveram naquela época. É tudo uma questão de identidade.

Mixtape está disponível para PlayStation 5, Nintendo Switch 2, PCs, Xbox Series X/S (também no Game Pass).

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Logo de cara vou meter o dedo na ferida: os sites tradicionais de games quebraram. Você entra em uma matéria para ver uma dica simples e precisa fechar três pop-ups, desviar de vídeos em reprodução automática e rolar por páginas de texto redundante.

O mercado atual força os portais a escreverem para os algoritmos do Google, e não para os jogadores. Já reparou que agora o mecanismo de busca te entrega uma resposta pronta feita por Inteligência Artificial? Até navegar por sites desconhecidos que poderiam (ou não) ter um conteúdo interessante não funciona mais. O resultado disso? Conteúdo sem alma, clickbaits e jornalismo raso.

Eu me recuso a transformar a minha paixão em meros caça-cliques só para aparecer no Google. No Substack, eliminei os intermediários. Não dependo mais de anúncios irritantes para pagar o servidor, nem de títulos apelativos para conseguir visualizações desesperadas. Meu único compromisso aqui é com o que eu mais gosto: jogar e falar sobre games.

Para que isso possa acontecer, tirei do caminho a parte mais complicada de qualquer site, competir com os grandes portais. Mesmo tendo sido notado pela indústria, fazer parte do mailing para o recebimento de jogos e ter acesso aos maiores eventos, é impossível manter um site atualizado diariamente tendo que fazer o trabalho todo sozinho.

Dessa maneira, aquele conteúdo tradicional com dicas, truques e, principalmente, hard news fica de fora deste novo menu. Essa nova era do Bar dos Gamers será focada naquilo que eu sempre me comprometi a fazer. Então, se você gosta de análises sinceras sobre os jogos - sejam eles grandes lançamentos ou títulos indies desconhecidos - e também sobre o mercado e a indústria dos games, puxe o seu banquinho porque o Bar dos Gamers está de cara nova!

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